Des couples faisaient du Lindy Hop à minuit sur une place publique. Les étudiants ont applaudi un duo influencé par le Jookin dans une cour d’université. Des adolescents ont essayé le hip-hop, la boxe thaïlandaise et le hula hoop lors de cours publics dans un centre commercial. Des milliers de personnes ont assisté à une master class et à un bal de mode. Et partout en ville, les gens affluaient dans les théâtres proposant des œuvres de certains des plus grands noms de la danse contemporaine.
Il s’agissait de la 20e édition de la Biennale de Danse de Lyon, qui s’est ouverte le 9 septembre et se poursuivra jusqu’au 30 septembre. L’un des festivals de danse les plus grands et les plus importants au monde, la Biennale était de retour à son état frénétique après une édition Covid ralentie en 2021. Les journalistes allaient d’une représentation à l’autre, réalisant autant de représentations que possible. Les personnalités du monde de la danse ont siroté du vin après le spectacle, bavardé et analysé les spectacles (« Glorieusement ennuyeux », « Dieu merci, ça ne rentrera pas dans mon espace »). Et les amateurs de danse, dont la population est particulièrement jeune, ont rempli les théâtres de toute la ville.
Depuis sa création en 1984, la Biennale a adopté une approche démocratique et participative. Chaque édition s’ouvre par un immense défilé, qui a réuni cette année 3 500 participants et a été regardé par une foule de 150 000 personnes.
Mais cette édition, dirigée par un nouveau directeur, Tiago Guedes, semblait encore plus axée sur le rayonnement, la diversité et la participation. « C’est important d’ouvrir les portes pendant ces trois semaines », a déclaré Guedes autour d’un café la semaine dernière. « Casser l’idée selon laquelle la danse est une discipline élitiste. »
Cette mission a beaucoup d’actualité dans la danse française en ce moment. Vous pourriez l’appeler le «L’effet Horde« – le désir d’imiter le collectif favorable à la culture pop qui dirige le Ballet de Marseille et qui attire des foules immenses de jeunes à leurs spectacles grâce à une combinaison de danseurs divers, de travail avec des pop stars et d’une approche inclusive et soucieuse des médias sociaux. .
Avec des chiffres comme Mehdi Kerkouche, qui dirige le Centre Chorégraphique National de Créteil, aux portes de Paris, La Horde illustre une nouvelle génération de chorégraphes qui adhèrent à des objectifs sociaux et éludent les différences entre la danse commerciale et la danse de concert. (Kerkouche a dansé avec le chanteur Christine et les reinesdont la chorégraphe Marion Motin vient de a créé une œuvre pour le Ballet de l’Opéra de Paris.)
Environ la moitié de la programmation de cette édition avait déjà été réalisée par le prédécesseur de Guedes, Dominique Hervieu, à son arrivée, et sa priorité pour compléter la programmation, a-t-il déclaré, était d’établir la parité entre chorégraphes masculins et féminins. « Il est très important que ces grands événements se soucient de montrer cela », a-t-il ajouté.
La programmation finale est ambitieuse et variée, avec 48 productions provenant de 14 pays, dont une plateforme de quatre jours de pièces courtes, regardée par environ 1 000 programmeurs et administrateurs venus de 49 pays. Et quelle que soit l’approche inclusive de Guedes, les chorégraphes de renom – et pour la plupart masculins – abondent toujours, dont Boris Charmatz, Dimitris Papaioannou, Anne Teresa de Keersmaeker et Sidi Larbi Cherkaoui, entre autres.
Ma pièce préférée, vue pendant quelques jours bien remplis la semaine dernière, était une œuvre d’un chorégraphe encore largement méconnu hors de France : Chez Phia Ménard « Art. 13 » fut une secousse pour les sens, un rite de destruction joyeuse, un choc électrique du nouveau.
Au début, la scène du Théâtre des Célestins du XIXe siècle nous montre un jardin à la française bien entretenu : herbe tondue, allées de graviers, haies, avec au centre une statue grecque d’homme nu tenant une hache. De la terre surgit une créature androgyne (une superbe Marion Blondeau) en short et tee-shirt, coiffée d’un étrange casque animalier.
D’abord en rampant, puis en grimpant et en bossant sur le côté du piédestal, elle se tient progressivement debout, se prélassant maladroitement autour de la scène avec les jambes pliées, chancelantes et titubant. Un son électronique dur et très fort domine, passant à une valse lorsque Blondeau s’empare de la hache et commence à hacher la base.
Finalement, la statue tombe ; plus tard — après un intermède amusant impliquant deux hommes en costume blanc qui nettoient les débris — une statue beaucoup plus grande descend, si grande qu’on ne peut voir que ses pieds sur un socle monumental. Intrépide, notre héroïne commence à éliminer celui-là. aussi. À la fin, elle est enveloppée de lumières bleues scintillantes alors que Le « lapin blanc » de Jefferson Airplane pièces.
Le titre de l’ouvrage s’avère faire référence à l’article 13 de la Déclaration universelle des droits de l’homme : « Toute personne a droit à la liberté de circulation et de résidence ». Poétique, plein d’esprit, drôle, plein de mouvements fascinants et rempli d’associations irrationnelles mais imaginatives, « Art. 13 » s’attaque au patriarcat, à l’État de droit, aux fondements de la société. Comme le disent les paroles de « White Rabbit » : « Quand la logique et les proportions/Sont tombés morts et bâclés… Nourrissez votre tête. » Ménard le fait certainement.
Autre moment fort, « Exit Above : After The Tempest » de De Keersmaeker, grand succès du Festival d’Avignon cet été, et un changement d’esprit pour ce chorégraphe cérébral, souvent austère. « Exit Above » met en vedette le chanteur flamand à la voix cristalline Meskerem Mees qui, avec Jean-Marie Aerts et le guitariste Carlos Garbin, a composé une partition basée sur les chansons du bluesiste Robert Johnson.
Bien qu’il y ait peu de référence directe à la pièce de Shakespeare, Solal Mariotte aux cheveux bouclés, dont le spectaculaire solo influencé par le cassage ouvre l’œuvre, est peut-être une figure d’Ariel et un énorme nuage tourbillonnant de tissu blanc, soufflé en formes sans fin au-dessus de la scène. , c’est une belle tempête.
Faisant appel à 12 danseurs pour la plupart jeunes et à Mees (qui danse aussi), De Keersmaeker utilise un mélange éclectique de styles de danse qui perturbe sa chorégraphie formelle plus structurée, et les danseurs suscitent une tempête de mouvements exaltante. Si le changement climatique est évoqué, la résilience, l’espoir et l’énergie pure le sont également. À la fin, le public habituellement calme de l’Opéra de Lyon était debout et applaudissait.
J’ai aussi vu visuellement celui de Cherkaoui un « Ukiyo-e » beau mais plutôt ennuyeux impeccablement dansé par le Ballet du Grand Théâtre de Genève; un duo inventif et athlétique, « Fantasie Minor», de Marco da Silva ; et quelques pièces de Platform, notamment « Anda, Diana » de Diana Niepce, un trio déchirant, bien que trop long, dans lequel deux hommes de grande taille manipulaient le petit et fragile Niepce, incapable de marcher.
Où Guedes, le nouveau directeur, emmènera-t-il ensuite la Biennale ? Son objectif, dit-il, « est de montrer à quel point la danse est diversifiée aujourd’hui, depuis des œuvres abstraites et formellement construites jusqu’à des pièces plus proches de la danse ou des arts visuels ». Sa mission, a-t-il ajouté, ne change pas. « Mais nous devons réfléchir à la manière dont nous l’abordons et à qui nous nous adressons. »
